當然，這都是我個人主觀的看法，不存在「絕對」的立場或有什麼特殊的觀點。之所以要提出這些淺見，僅供大家作一點參考而已。
舉凡藝術的任何表現形式，創作者一般都是以「主觀」為之，越是主觀越能突顯個人的風格面貌；至於觀賞者的角度，「客觀」以對，實乃必需，但「客觀」與否或者「客觀」至哪個程度？確也不易達成就是。
過去的藝術型態（尤指繪畫與雕塑），大多服務於宗教與政治，難能擺脫服務的範疇。1870 年印象派竄起之後，隨著畫架的移出戶外，轉而脫離歌功頌德的說教職責。藝術才真正獨立於被豢養、被任意差使，創作者的理念於焉被喚醒、自主抒發，也成就了往後一個半世紀個人意識抬頭的寬敞之路。
自此，藝術所面對的，是個何去何從的抉擇，於是乎各種表現型態相繼出籠，確真五花八門、目不暇給。不過，再怎麼個兌變，終究還是離開不了藝術創作的基本元素：「造形」與「色彩」。
「造形」與「色彩」，一路發展下去，那才愈加熱鬧哩，啥畫派啥主義的理論與創作永遠層出不窮。最後，還是得歸宗於所謂「純藝術．Fine Art」，不為政教謳歌、不引經據典講故事，讓繪畫回歸於她該有的原始機能：追求「造形」的可能性，讓「色彩」訴說創作者潛在的理念。「純藝術」的概念愈強，不僅各類型表現的「可能性」益加廣泛，相對的，大家欣賞起抽象藝術作品，不僅不再艱澀難懂，甚或變成輕鬆而易於分辨良莠。是方法，創作與鑑賞的方法，是藝術發展的趨勢、自然的走向。
△ (L.)《Composition with Yellow, Blue, and Red》, Artist: Piet Mondrian, 72.5 x 69 cm, oil on canvas, 1937–42, Tate Gallery, London.
荷蘭新造型主義畫家蒙德里安（Piet Cornelies Mondrian, 1872－1944），用簡潔的線條與色彩，營造出個人風格極其簡約的創作，是理性 包浩斯（Bauhaus）的經典。
△ (R.)《Improvisation 27 (Garden of Love II)》, Artist: Wassily Kandinsky, 47 3/8 x 55 1/4 in. (120.3 x 140.3 cm), oil on canvas, 1912, The Metropolitan Museum of Art, New York.
俄羅斯表現主義畫家康丁斯基（Wassily Kandinsky, 1866－1944），抽象的形式、謎樣的色彩，具足音樂性之外，何嘗不是感性表現的典型代表？
繪畫除了復原為基本元素，追求「純藝術」的可能性之外，難道不該「言志」？述說創作者的旨意想法。於是，各類型的創作方向相繼出籠，是藝術領域裡令人著迷之處，也是藝術家們不斷投入心血的泉源與動力。剎那與永恆，意念與灼見，一筆一畫都是創作者牆腳下的基石。
過去美術史上，叫得出名字的畫作通常以「幅」或「件」去作計算，一幅一作，一件一作，珍貴得很，後人再從單件作品去作延伸演繹，解釋她們的背景和來朧去脈，這是一般藝術史學者常用的方式，無可厚非，也是他們的責任。但，如果穿鑿附會，加上一些與畫作無關的趣聞軼事，除強化單件作品的可閱性及正當性外，其實這些作法，對於作品創作質感的衡量，毫無任何助益。
△ (L.)《The Statue of David》, completed by Michelangelo in 1504, is one of the most renowned works of the Renaissance.
大衛像是文藝復興時期三傑之一的米開朗基羅 （Michelangelo, 1475－1564）於 1504 年完成的大理石雕塑，高5.5公尺，原作收藏於義大利佛羅倫斯學院藝廊。這種作品，當然以「件」作計算，實乃稀世之寶。
△ (R.)《The Gleaners》, Artist: Jean-François Millet, 32.9 × 43.3 in., oil on canvas, 1857, Mus
法國巴比松派田園畫家米勒 (Jean-François Millet, 1814–1875) 的作品《拾穗．The Gleaners》，享譽了一個半世紀，這類作品當然都是以「件」作計算，十九世紀歐洲田園氛圍描繪之精緻程度，無能取代。
今天我們要了解一位藝術家的成就，單從一件作品其實難以窺其全貌，往往需要觀察系列性的創
所謂「言志」，就是藝術家藉諸媒介形式，進行表達他/她們潛在的意念與想法。如同文學一樣，文字和畫作都是形式，僅僅是敘述的語言工具，內容才是作者的心聲與意圖。
「言志」？共產國家的宣傳畫才最「言志」了，可惜服膺於政治、服務於黨意，哪存得了個人的意識？傳聲筒，棄之，絕對猶恐不及。這裡談的「言志」，係指藝術家個人的主張與解釋方式，以畫作抒發其創作企圖，進行系列性的「發言」。批判也好，諫言也罷，縱或僅屬個人情緒的渲泄，不過，經常還不乏予以世人一記醒鐘哩！
基於這種角度，於是我們可以把「超寫實主義繪畫與雕塑」作些整理與比較，看看哪些藝術家走什麼樣的路線？哪些藝術家將來又能經得起時間的考驗與焠煉？
大致上，我將「超寫實主義繪畫與雕塑」分成兩大類型：
●『即物型』
△ (L.)《Dazzling Dozen》Artist: Charles Bell, 46 x 66.25 in, oil on canvas, 1994.
查爾斯．貝爾（Charles Bell, 1935 - 1995）的畫作《Dazzling Dozen》，應該屬於『即物型』的典型代表，物性極強，超寫實主義的主張執行得極為澈底。
△ (R.)《Supersandwich!!》Artist: Tjalf Sparnaay, 80 x 130 cm, oil on linen, 2013.
荷蘭畫家 Tjalf Sparnaay (1954－) 的作品《Supersandwich!!》，同樣將超寫實的精神發揮得淋漓盡致，就是攝影技術也許還無法臻達如此的精緻細膩。
既然超寫實主義強調要超越攝影技術的侷限，突破透視變形、景深的問題，致使有些畫家完全着眼於『物』的精細描繪。同時也造成停滯於『物相』表象的表達，呈現出極端的『物資物質．Material, Substance』肌理的刻畫。
論「色彩」，非常準確，也無任何個人的主觀意識；論「造形」，坦白說，沒有太大的創意或突破。以「純藝術」而言，恐怕跨越不了時間的考驗。或者僅止於「超寫實主義」的主張與訴求，太過客觀，也要降低共鳴度的說服力。用白話說，畫得很像很逼真，那又如何？突顯高超的繪畫技法外，能告訴我們些什麼？
●『透物型』
△ (L.)《Forbidden Fruits》Artist: István Sándorfi, , oil on c
△ (R.)《Jilda with Goldfish Bowl》Artist: Jerry Ott, acrylic on panel.
所謂『透物型』就是產生延伸，作品不僅符合「超寫實主義」的主張鵠的，更摻和了藝術家個人的主觀意識，不讓作品僅僅停留於表相的敘述描寫，透過形式，讓作品為其發言，達到所謂「言志」的標的企圖。
這裡的「言志」，有別於過去服務於宗教或政治的信仰傳播，是屬於藝術家主觀的信念語彙。其可貴處不言可喻，於是，諸多精采而令人驚心動魄的作品出爐了，超越攝影的基礎功能，加上藝術家敏感的觀察力與想像力，傑作之產生、如泉水般不斷湧現，必然可期。